Pieter Paul Rubens (1577 - 1640)
Pittore fiammingo
Museo dell'Ermitage a San Pietroburgo
Olio su tela cm. 222,5 x 180,5
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Pixel 2360 x 1800 - Mb 1,87
Ad una prima lettura, il quadro raffigura un uomo e una donna seminudi che si tengono per mano appoggiandosi ad un grande vaso che lascia cadere dell'acqua dalla quale si genera un laghetto.
In esso sguazzano due allegri fanciulli e un uomo dal torace possente che soffia in una grande conchiglia forse per emettere un suono.
Alla destra della figura femminile, una tigre sembra sul punto di spiccare un salto verso una cornucopia piena di frutta varia: mele pere, una piccola zucca striata, grappoli d'uva, rami con bacche diverse, fichi e un tralcio di albicocche.
Tutto questo a prima vista ma, ad una più attenta analisi, la figura maschile che ci volge le spalle è identificabile con Nettuno, Dio dell'Acqua, per il tridente che tiene nella mano destra e che simboleggia il suo triplice potere sul mare: reggerlo, agitarlo, calmarlo.
La figura femminile è invece Cibale, Dea della Terra, come indica la cornucopia piena di frutta, simbolo della sua fecondità e della ricchezza che questa può determinare.
L'uomo immerso nell'acqua è allora Tritone, figlio del Dio Poseidone che i Romani identificavano con Nettuno, e il corno di conchiglia nel quale soffia non serve per produrre un suono ma a placare, su comando del padre, le onde del mare.
La donna alata alle spalle di Nettuno e Cibale è una Vittoria che celebra la loro unione incoronandoli con ghirlande nuziali fiorite.
In questo senso la tela raffigura una allegoria dell'unione della Terra con l'Acqua ma esiste una terza possibilità di interpretazione del dipinto secondo la quale l'artista ha voluto rappresentare la città di Anversa e le sue fonti di ricchezza derivanti tanto dai traffici marittimi e fluviali (l'acqua che fuoriesce dal grande vaso rovesciato simboleggia infatti la Scheda, il fiume di Anversa), quanto da quelli terrestri.
L'UNIONE DELLA TERRA CON L'ACQUA si colloca nella produzione rubensiana posteriore al soggiorno italiano, vicino ad opere come il trittico della cattedrale di Nôtre Dame di Anversa.
La tela è tuttavia ancora intessuta di ricordi italiani, in particolare a Tiziano e Annibale Carracci e ricorda lo stile della NATIVITA' della chiesa di San Fermo nelle Marche del 1606.
Databile fra il 1612 e il 1615, l'opera pervenne al Museo dell'Ermitage nel lotto di acquisti dell'ultimo decennio del secolo XVIII e dell'inizio del XIX.
L'ELABORATA TECNICA DI RUBENS
Per tener dietro alle molte commissioni, Paul Pieter Rubens, appena rientrato dall'Italia (1608), fondò ad Anversa una grande bottega ed elaborò un procedimento operativo molto complesso nel quale tuttavia larga parte era affidata agli allievi.
Dopo uno schizzo a penna dell'intera composizione che costituiva la prima concezione del quadro, l'artista dipingeva un bozzetto ad olio, spesso su carta, dal quale traeva poi un modelletto su tavola di piccolo formato, che conteneva, appena accennati, gli elementi previsti dal dipinto.
Era una sorta di progetto che Rubens mostrava al suo futuro proprietario.
Approvata da questi l'idea, il maestro compiva disegni a matita dei particolari e delle figure che gli allievi riportavano poi sul quadro con le giuste tonalità cromatiche.
Toccava poi a Rubens terminare l'opera unificandola con la sua vibrante estrosa pennellata.
VEDI ANCHE ...
La vita di PIETER PAUL RUBENS
Il RATTO DELLE FIGLIE DI LEUCIPPO - Pieter Paul Rubens
VENERE AL BAGNO - Pieter Paul Rubens
AUTORITRATTO CON LA PRIMA MOGLIE - Pieter Paul Rubens
BETSABEA AL BAGNO (1635) Paul Pieter Rubens
AUTORITRATTO CON IL FRATELLO FILIPPO (1611 - 1612) - Pieter Paul Rubens
GIUDIZIO DI PARIDE (1638-1639) - Pieter Paul Rubens
PERSEO E ANDROMEDA (1622 - 1624) - Pieter Paul Rubens
ULTIMA CENA (Last Supper) - Pieter Paul Rubens
In esso sguazzano due allegri fanciulli e un uomo dal torace possente che soffia in una grande conchiglia forse per emettere un suono.
Alla destra della figura femminile, una tigre sembra sul punto di spiccare un salto verso una cornucopia piena di frutta varia: mele pere, una piccola zucca striata, grappoli d'uva, rami con bacche diverse, fichi e un tralcio di albicocche.
Tutto questo a prima vista ma, ad una più attenta analisi, la figura maschile che ci volge le spalle è identificabile con Nettuno, Dio dell'Acqua, per il tridente che tiene nella mano destra e che simboleggia il suo triplice potere sul mare: reggerlo, agitarlo, calmarlo.
La figura femminile è invece Cibale, Dea della Terra, come indica la cornucopia piena di frutta, simbolo della sua fecondità e della ricchezza che questa può determinare.
L'uomo immerso nell'acqua è allora Tritone, figlio del Dio Poseidone che i Romani identificavano con Nettuno, e il corno di conchiglia nel quale soffia non serve per produrre un suono ma a placare, su comando del padre, le onde del mare.
La donna alata alle spalle di Nettuno e Cibale è una Vittoria che celebra la loro unione incoronandoli con ghirlande nuziali fiorite.
In questo senso la tela raffigura una allegoria dell'unione della Terra con l'Acqua ma esiste una terza possibilità di interpretazione del dipinto secondo la quale l'artista ha voluto rappresentare la città di Anversa e le sue fonti di ricchezza derivanti tanto dai traffici marittimi e fluviali (l'acqua che fuoriesce dal grande vaso rovesciato simboleggia infatti la Scheda, il fiume di Anversa), quanto da quelli terrestri.
L'UNIONE DELLA TERRA CON L'ACQUA si colloca nella produzione rubensiana posteriore al soggiorno italiano, vicino ad opere come il trittico della cattedrale di Nôtre Dame di Anversa.
La tela è tuttavia ancora intessuta di ricordi italiani, in particolare a Tiziano e Annibale Carracci e ricorda lo stile della NATIVITA' della chiesa di San Fermo nelle Marche del 1606.
Databile fra il 1612 e il 1615, l'opera pervenne al Museo dell'Ermitage nel lotto di acquisti dell'ultimo decennio del secolo XVIII e dell'inizio del XIX.
L'ELABORATA TECNICA DI RUBENS
Per tener dietro alle molte commissioni, Paul Pieter Rubens, appena rientrato dall'Italia (1608), fondò ad Anversa una grande bottega ed elaborò un procedimento operativo molto complesso nel quale tuttavia larga parte era affidata agli allievi.
Dopo uno schizzo a penna dell'intera composizione che costituiva la prima concezione del quadro, l'artista dipingeva un bozzetto ad olio, spesso su carta, dal quale traeva poi un modelletto su tavola di piccolo formato, che conteneva, appena accennati, gli elementi previsti dal dipinto.
Era una sorta di progetto che Rubens mostrava al suo futuro proprietario.
Approvata da questi l'idea, il maestro compiva disegni a matita dei particolari e delle figure che gli allievi riportavano poi sul quadro con le giuste tonalità cromatiche.
Toccava poi a Rubens terminare l'opera unificandola con la sua vibrante estrosa pennellata.
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