DANZA DELLE QUATTRO BRETONI (1886 circa) - Paul Gauguin - DANCE OF THE FOUR BRETON

DANZA DELLE QUATTRO BRETONI (1886 circa)

Paul Gauguin (1848-1903)

Neue Pinakotek - Monaco

Tela cm. 72 x 91

L'opera risente dell'influsso di Pissarro, che insieme a Degas era il pittore più amato da Paul Gauguin in quel momento, ma manifesta anche la ricerca intorno alla linea di contorno e alla sintesi della forma, che troveranno una più matura espressione durante il secondo soggiorno a Pont-Aven.
Già qui emerge una grande tensione verso un uso della linea e del segno in senso simbolico e fantastico, abbandonando sempre di più gli intenti naturalistici dell'Impressionismo, vicenda oramai tramontata e superata dagli stessi protagonisti più giovani.

Il dipinto, DANZA DELLE QUATTRO BRETONI, firmato e datato 1886, risale al primo soggiorno a Pont-Aven, quando determinato più che mai a seguire il proprio talento, Paul Gauguin cercava di isolarsi per poter meglio rispondere ai mille interrogativi che lo assillavano.
Per alcuni studiosi è invece un'opera realizzata durante il secondo soggiorno in Bretagna.
Che comunque sia un'opera meditata ne sono prova il gruppo di studi preparatori delle singole figure.


Paul Gauguin nacque a Parigi nel 1848, ma, a seguito degli avvenimenti di quel periodo, trascorse l'infanzia in Perù, presso la nonna materna.
Nel 1865 si arruolò in marina e lì sentì parlare per la prima volta in termini entusiastici dell'Oceania.
Nel 1871, con la fine dell'Impero napoleonico, abbandonò la marina ed entrò in un'agenzia di cambio.
Fu in quel periodo che iniziò a dipingere.
Nel 1873 sposò Mette Sophie Gad che gli dette cinque figli.
Conosciuto Pissarro, Gauguin entrò a far parte del gruppo degli impressionisti e la prima mostra in cui vi comparve insieme fu tenuta nel 1880 in Rue des Pyramides.
Nel 1883 fu costretto a lasciare il lavoro; per un po' si illuse di poter provvedere alla famiglia con la pittura e la scultura, invece poco dopo fu costretto ad intraprendere una nuova attività in Danimarca, che purtroppo fallì rapidamente.
La vita dal 1885 si fece sempre più difficile, obbligandolo a dividersi dalla famiglia, e nel 1886, dopo aver partecipato all'ultima esposizione degli impressionisti, si spostò a Pont-Aven in Bretagna, dove conobbe Emile Bernard.
In quello stesso anno conobbe Vincent Van Gogh a Parigi.
L'anno dopo Gauguin si imbarcò per Panama, un altro fallimento che non fece altro che peggiorare la situazione.
Il secondo soggiorno in Bretagna fu nel 1888, e in questo ambito furono gettate le basi per la nascita del simbolismo.
In quello stesso anno si consumava la triste convivenza con Vincent Van Gogh ad Arles.
Tra il 1889 e il 1890 Gauguin tornò ancora a Port-Aven.
Intanto aveva esposto al Caffè Volpini con il gruppo dei simbolisti sintetici.
Nel 1895 Paul Gauguin partì per Tahiti; dopo un anno il suo precario stato di salute lo costrinse a ritornare in Francia.
Nel 1895 tornò di nuovo a Papeete dove, vivendo tra mille difficoltà, tentò persino il suicidio.

Paul Gauguin morì l'8 maggio del 1903.

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SAN GOTTARDO, IL PONTE DEL DIAVOLO - The Devil's Bridge (1803-1804) - William Turner

       

SAN GOTTARDO, IL PONTE DEL DIAVOLO (1803-1804)

William Turner (1775-1751)

Pittore inglese

Kunsthalle – Zurigo

XIX secolo

Olio su tela cm. 78,5 x 62,8

Turner dipinse questo paesaggio dopo il viaggio in Svizzera, quindi intorno al 1803. 
L’interesse dell’artista è catalizzato sul paesaggio in cui dominano le alte vette che incombono sullo spettatore, soffermandosi anche sugli aspetti più drammatici, ma allo stesso tempo sublimi, della natura. 
La forma perde quasi consistenza per lasciare posto all’incanto della resa cromatica che sembra disperdere ogni tipo d’impianto prospettico. 
La pittura è ossessionata dalla ricerca di valori cromatici e luministici fini a se stessi.
Il paesaggio delle montagne svizzere dovette appassionare Turner: nel 1804 espose presso la sua galleria un acquerello di grandi dimensioni con lo stesso soggetto, e ancora uno schizzo, che probabilmente servì da modello per il quadro di Zurigo, è compreso nell’album SAN GOTTARDO E MONTE BIANCO. 
Rispetto allo schizzo nella composizione finale Turner modificò il numero di figure che adesso sono meno numerose e appena abbozzate.

Il paesaggio venne commissionato a Turner, insieme al PASSO SAN GOTTARDO da John Allnut. 
Già nella collezione di G. R. Burnett, nel 1875 il quadro venne acquistato, dopo un passaggio nella ditta Agnew, da Holbrook Gaskel. 
Successivamente esso ha cambiato numerosi proprietari fino a quando non è entrato in possesso dell’attuale proprietario che lo ha depositato presso il Kunsthalle di Zurigo, dove si trova esposto temporaneamente.


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DEPOSIZIONE DI CRISTO (Deposition of Christ) - Rogier Van der Weyden

DEPOSIZIONE DI CRISTO (1435 circa)

Rogier van der Weyden (1400 circa - 1464)

Pittore fiammingo

Museo del Prado a Madrid

Tavola cm. 220 x 262

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Pixel 1820 x 2350 - Mb 1,50

La DEPOSIZIONE del Prado a Madrid, uno dei capolavori di Rogier van der Weyden, appartiene alla fase giovanile dell'artista, ancora sotto l'influsso evidente del maestro di Fémalle, al quale rimandano le proporzioni monumentali delle figure e i ricchi panneggi a pieghe angolose e rigide.

Si ispirano invece a Van Eyck i colori preziosi e brillanti e le delicate sfumature delle ombre.

Caratteristico dell'arte di Van der Weyden è invece lo studio della scena drammatica.

Il modellato scultoreo delle figure fa sì che queste sembrino gli attori di una sacra rappresentazione.

In effetti questo quadro mostra di avere maggiori legami con esempi di scultura che con altri dipinti.

Van der Weyden ha totalmente eliminato il paesaggio nello sfondo e ha collocato le figure contro una nicchia architettonica poco profonda, come se fossero statue policrome o, appunto, attori di un dramma sacro.

Questo espediente aumenta l'effetto di tragicità dell'evento perché concentra la mia attenzione sul primo piano del dipinto.

Il dipinto fu eseguito intorno al 1435, quando l'artista aveva probabilmente poco più di trent'anni.

Destinata alla cappella della Gilda degli Arcieri nella chiesa della Madonna della Vittoria a Louvain.

Acquistato da Maria, sorella di Carlo V, esso entrò all'Escorial nel 1564 e dal 1939 è esposto al Prado di Madrid.

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ROGIER VAN DER WEYDEN (1400 circa - 1464)

   

Ritratto di Francesco d'Este (1450)

Van Der Weyden (1400 circa - 1464)

Metropolitan Museum of Art - New York

Olio su legno cm 29,8 × 20,3

Rogier Van der Weyden nacque a Tournai intorno all'anno 1400.

Fu probabilmente allievo di Robert Campin (il Maestro di Fémalle), nella cui bottega risulta presente nel 1427 un certo Rogelet de la Pasture, probabilmente identificabile col nostro pittore.

Van der Weyden è considerato con Campin e con i fratelli Van Eyck il fondatore della grande pittura fiamminga del Quattrocento.

A partire dal 1435 si stabilì a Bruxelles, dove divenne il pittore ufficiale della città e dove morì nel 1464.

Durante un viaggio in Italia nel 1450, in occasione del giubileo, ebbe l'opportunità di visitare Roma, Firenze, Milano, e in particolare Ferrara, dove lavorò per Lionello d'Este.

Dal punto di vista stilistico Van der Weyden si colloca in una posizione intermedia fra Campin e Van Eyck.

Tuttavia li superò entrambi per l'intensità del sentimento e l'espressine degli affetti che seppe infondere nei suoi personaggi.

Per questo motivo predilesse soggetti come la DEPOSIZIONE (che h da poco recensito), che consentivano di mettere in scena il dramma sacro e di analizzare le emozioni e il dolore umano.

Fra le opere più importanti voglio qui ricordare...

GIUDIZIO UNIVERSALE..., Hôtel-Dieu a Beaune
DEPOSIZIONE DI CRISTO...., Prado a Madrid
ANNUNCIAZIONE..., Louvre a Parigi
COMPIANTO SU CRISTO MORTO...,  Uffizi a Firenze

Numerosi i suoi ritratti, dall'acuta definizione psicologica, fra cui ricordo quelli di...

FRANCESCO d'ESTE..., Metropolitan Museum a New York
GRAN BASTARDO DI BORGOGNA ..., Musée Royaux a Bruxelles

Alla sua tarda attività sono da ricollegare alcune composizioni in più scomparti fra cui...

TRITTICO BLADELIN..., Staatliche Museen a Berlino
TRITTICO DI SANTA COLOMBA..., Alte Pinakothek a Monaco

POLITTICO DEI SETTE SACRAMENTI..., Koninklijk Museum ad Anversa

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LA MORTE DELL'AVARO (1490 - 1500 circa)

Hieronymus Bosch (1450 circa - 1516)

Pittore fiammingo

National Gallery a Washington

Olio su tavola cm. 92,6 x 30,8

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Pixel 2550 x 870 - Mb 1,07

Un arco gotico inquadra una camera da letto con il soffitto in legno.
Davanti a una colonna si trovano alcuni attributi cavallereschi tenuti da un diavolo incappucciato.
AI centro un uomo anziano di profilo vestito di verde sta in piedi in fondo al letto, piegandosi su un forziere aperto.
II vecchio tiene nella mano destra due monete d'oro prendendole da una borsa che gli porge un diavoletto nascosto nella cassa..., con la sinistra invece tiene un rosario e un bastone.
Lo stesso vecchio viene rappresentato, sempre di profilo, a letto come un uomo emaciato, a torso nudo con una papalina nera in testa.
Un angelo dalle bianche ali indica al morente un crocifisso posto davanti a una finestra ogivale, in alto a sinistra, da cui un raggio di sole raggiunge l'uomo.
Un demone offre allo stesso uomo una borsa di soldi.
Un altro demone, che tiene una lampada di carbone ardente, fa capolino dal baldacchino del letto.
La morte, uno scheletro vestito di bianco, apre la porta tenendo la lunga freccia della mortalità.
Lo stile del dipinto di Bosch ricorda le opere di Robert Campin e di Rogier Van der Weyden, ma 1'irrealtà dello spazio e l'atmosfera irrazionale da incubo sono il riflesso di tempi nuovi densi di inquietudine e di incertezze.
Forse parte di un polittico, oggi non identificabile, La Morte dell'avaro è stata eseguita da Bosch probabilmente negli anni Novanta: l'opera infatti richiama l'Altare di Santa Giulia (Venezia, Palazzo Ducale) realizzato dal pittore poco prima del viaggio in Italia.

Appartenuto intorno al 1926 a J. Massey e poi al Barone Joseph Van der Elst, il quadro è entrato nella Collezione Kress nel 1951.
Da lì è passato alla National Gallery di Washington tramite il lascito della famiglia. ,
Le indagini tecniche svolte in questa sede hanno rilevato che la superficie del colore, molto sottile, chiara e luminosa, è stata data su una preparazione a gesso.
La foto a raggi infrarossi mostra che l'uomo morente inizialmente sollevava con la sinistra una coppa che avrebbe dovuto coprire l'angolo superiore sinistro del cuscino.

Alcune ipotesi sul significato del quadro

Svariate sono state le interpretazioni del quadro di Washington, la cui lettura non è certo facile.
Dapprima è stato pensato che si trattasse della morte di un avaro al colmo della sua ricchezza: gli angeli e i diavoli si disputerebbero la sua anima.
Questa proposta è stata in seguito corretta: in realtà l'uomo, in punto di morte, è combattuto nella cruciale scelta fra il denaro, che gli porge il diavolo, e il crocifisso mostrato dall'angelo.
Tale esitazione è la stessa che ha accompagnato tutta la sua vita.
Vediamo infatti che lo stesso uomo moribondo nel letto è rappresentato in salute in primo piano: egli è indeciso fra i beni materiali, rappresentati dal forziere aperto, e quelli spirituali, ricordati dal rosario che tiene in mano.
Anche se questa è l'ipotesi più accreditata, recentemente si è visto nel quadro di Washington la rappresentazione della parabola del Vangelo di San Luca (XVI) sul cattivo amministratore, identificabile con l'uomo in primo piano, con i beni dei debitori del suo padrone, e poi sul letto di morte, dove illuminato dalla luce di Cristo si difende dal diavolo.


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SALOMÉ RICEVE LA TESTA DI SAN GIOVANNI BATTISTA (Salome receiveing the head of St. John the Baptist) - Bernardino Luini

SALOMÉ RICEVE LA TESTA DI SAN GIOVANNI BATTISTA

Bernardino Luini (1475 circa - 1532 circa)

Pittore italiano

Museo del Louvre di Parigi

Tela cm. 62,5 x 55

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Pixel 2060 x 1780 - Mb 1,59

La SALOMÉ CHE RICEVE LA TESTA DI SAN GIOVANNI BATTISTA fa parte di un nutrito gruppo di opere di Bernardino Luini che avevano la funzione di "quadri da stanza".

Si tratta di soggetti sacri, in massima parte Madonne col Bambino, a mezza figura e di piccolo o medio formato.

In questo dipinto le aggraziate tipologie facciali di chiara ascendenza leonardesca si accompagnano ad una impostazione compositive estremamente rigorosa e dal classico equilibrio...., si noti la simmetria generata dal braccio di Salomè e da quello contrapposto che sorregge la testa del Battista.

La trattazione in maniera contenuta e distaccata del tema tragico e macabro è un carattere ricorrente nello stile del Luini, che Vasari definiva "delicatissimo e vago".

E' inoltre da ricordare che il tema della Salomè col Battista decapitato, o della sola testa posata sul piatto d'argento, avrà una grande fortuna nell'ambito della pittura lombarda del Cinquecento e del Seicento.



Il dipinto si trovava nella collezione di Luigi XIV, per la quale fu acquistato da Jabach nel 1671.

Il Museo del Louvre di Parigi conserva dello stesso autore anche una SACRA FAMIGLIA..., una MADONNA COL BAMBINO DORMIENTE E ANGELI..., e una MADONNA COL BAMBINO E UN ANGELO proveniente dalla chiesa di Menaggio vicino a Como, oltre a numerosi brani di affreschi staccati provenienti dalla Villanella Pilucca a Sesto San Giovanni, da Casa Rabia e dall'oratorio di Greco Milanese, presso Milano.

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BERNARDINO LUINI (1475 circa - 1532 circa) - Vite e opere

BERNARDINO LUINI (1475 circa - 1532 circa)

   

 La Madonna del Roseto 

Proveniente dalla Certosa di Pavia, oggi a Brera

Bernardino Luini nacque forse a Milano intorno al 1475.

Poche sono le notizie sulla sua vita, anche lo stesso Vasari ne parla poco ma la leggenda assicura che fu molto agitata, ricca di avventure amorose e drammatiche, che lo obbligarono a sparizioni e ritiri forzati.

Probabilmente fu amico ed allievo di Leonardo.

La prima opera che gli viene attribuita, anche se non concordemente, è la MADONNA COL BAMBINO E I SANTI AGOSTINO E MARGHERITA del Musée Jacquemart-André di Parigi.

Le notizie certe sul Luini cominciarono solo nel 1512, anno in cui affrescò la MADONNA COL BAMBINO IN TRONO FRA DUE ANGELI MUSICANTI nell'abbazia di Chiaravalle, presso Milano, in cui il pittore traspone in senso classicheggiante gli insegnamenti del Bramantino.

Nel 1516 eseguì gli affreschi della cappella del Corpus Domini nella chiesa di San Giorgio al Palazzo, a Milano.

Tra le opere più importanti del Luini voglio qui ricordare il ciclo di affreschi della Villa della Pilucca a Sesto San Giovanni presso Milano, oggi staccati e conservati nella Pinacoteca di Brera e in altre sedi, che l'artista realizzò fra il 1521 e il 1523.

Vi sono rappresentate scene dell'Antico Testamento e storie del mito di Apollo e Dafne.

Altri impegnativi lavori ad affresco furono eseguiti da Bernardino Luini nella Chiesa di Santa Maria a Milano, nella cappella di San Giuseppe in Santa Maria della Pace, nella stessa città (oggi alla Pinacoteca di Brera) e nella cappella Besozzi in San Maurizio a Milano.

Questi ultimi recano la data del 11 agosto 1530, e costituiscono una delle ultime prove del pittore.

Infatti Bernardino Luini risulta già morto nel luglio 1532, quando il suo primogenito Evangelista riscuote in luogo del padre il salso per la decorazione della stessa cappella Besozzi.

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