mercoledì 16 ottobre 2013

VISIONE DELLA GERUSALEMME CELESTE (The Heavenly Jerusalem) Francisco de Zurbaràn

VISIONE DELLA GERUSALEMME CELESTE (1629)  
Francisco de Zurbaràn (1598-1664)
Museo del Prado - Madrid
Olio su tela cm 179 x 223 

La scena è immersa in una luce dorata che dà all'insieme un senso di calore ed un'atmosfera pacata e serena. Chiuso in una lunga veste rosa, un angelo sta indicando con la mano destra verso il cielo mentre con I'altra sorregge il suo manto color carta da zucchero. 
Il viso e il corpo dell'angelo sono investiti dalla luce emanante dall'apparizione della città luminescente posta nell'angolo sinistro del quadro. È la Gerusalemme Celeste e la mano levata dell'angelo rinvia su di lei l'attenzione del santo che sembra essersi addormentato durante la lettura del libro, collocato a pagine aperte sul semplice tavolinetto di legno che è davanti a lui. 
Tuttavia, quello che il santo vive, non è un sogno ma una visione, l'estasi di un momento di distacco dalla transitorietà e materialità della vita per attingere all'imperscrutabilità dell'eterno, del divino. Per questo è caduto in ginocchio davanti al libro nelle cui pagine aveva certo appena letto qualche brano della Sacra Scrittura; e magari proprio sulla Città di Dio e la Gerusalemme Celeste. 
La scomoda sedia di traverse incurvate "a gondola" sulla quale egli era prima seduto, è scivolata più lontano sospinta dalla nuova posizione che ha assunto il frate, assorto nella contemplazione della visione paradisiaca che è alle sue spalle. In uno squarcio la città si distende difesa da una cinta di mura turrite che la proteggono da qualsiasi invasione, quasi a dire che I'accesso alla Città di Dio non è consentito, né facile, a tutti. 
Intorno, lungo il degradare di una scala che sale, varie figure si dirigono verso le mura per entrare nella Città attraverso le grandi porte lasciate aperte appositamente: sono certo le anime dei beati alle quali soltanto è concesso di solcare le vie della Gerusalemme Celeste.


Firmata in basso a destra - F.co de Z.F - , la tela apparteneva al ciclo per la Merced Calzada a Siviglia. Il contratto, stipulato il 29 agosto 1628 fra il priore del convento Fra' Juan de Herrera e il pittore, prevedeva I'esecuzione entro un anno di 22 episodi della vita di San Pietro Nolasco, fondatore dell'Ordine, da destinarsi al chiostro piccolo e per una cifra complessiva di 1500 ducati.
Poiché una delle tele è datata 1630, è da credere che il ciclo venne portato a termine in ritardo ed integrato con opere non previste nel contratto, fra I'altro non tutte di Zurbaràn.
Venduta dai monaci a Lopez Cepero, la tela passò poi a Ferdinando VII ed è citata nelle collezioni reali a partire dal 1821.


Zurbaràn e il naturale caravaggesco

Il ciclo con le Storie della vita di San Pietro Nolasco della Merced Calzada di Siviglia incontrò immediatamente il favore dei contemporanei ed è spesso citato nelle fonti antiche. 
In particolare il Palomino, nel suo "Museo pictorico y escala optica" del 1724, ne parla con tale
fervore da sentirsi di istituire un parallelo nientemeno che con il Caravaggio.

"È incantevole esaminare le vesti dei religiosi, che pur essendo tutte bianche, si distinguono le une dalle altre secondo intensità, con tanta ammirevole precisione di tratti, colore e fattura, da smentire la stessa natura, poiché questo artista era così diligente che tutti i panneggi li studiava sul manichino e le carni sul naturale; e così, seguendo per questo tramite la scuola del Caravaggio cui era tanto fedele, tali cose meravigliose, non conoscendone I'autore, si potrebbero attribuire al Caravaggio stesso".


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CAVALLO SPAGNOLO (Spanish horse) Théodore Géricault

CAVALLO SPAGNOLO (1813)
Théodore Géricault (1791-1824)
Museo del Louvre - Parigi
Olio su tela cm 61 x 50

Il quadro, di modeste dimensioni, raffigura uno dei bellissimi cavalli di razza di proprietà delle scuderie imperiali a Versailles. 
L'esemplare in questione, di color bruno, è presentato in primo piano, ed emerge dal fondo dallo stesso tono cromatico, in tutta la sua monumentalità e dignità. La bellissima e lunga coda gli scivola fra le zampe posteriori come un morbido mantello.
Le lumeggiature cromatiche che corrono lungo il corpo indicano che il pelo del suo manto è stato appena tirato a lucido. 

Fiero, distaccato, lo stallone appare consapevole della sua bellezza sfoderata con un'aristocrazia pari a quella dei suoi padroni.
Nulla può confrontarsi con la sua bellezza, e I'altro stallone, raffigurato alle sue spalle, diviene un anonimo cavallo ospite nelle scuderie quasi per caso.

E noto che Géricault durante la sua carriera pittorica ritrasse numerosi cavalli, ma questo del Louvre è considerato dalla critica il più suggestivo. Ancora una volta Géricault dimostra una
grande capacità di interpretare la natura: in questo caso la semplice visione di un cavallo si trasforma in pretesto per descrivere un romantico romanzo, denso di palpitanti emozioni.
  
Cavallo pomellato spaventato dal fulmine (Londra, National Gallery)

Nel 1813 il pittore Horace Vemet dà l'incarico a Géricault di ritrarre gli splendidi cavalli ospiti nelle scuderie imperiali di Versailles. Il primo ritratto della serie è quello del Cavallo spagnolo, seguito da Lo stallone anglo arabo (Svizzera, Collezione privata), Cavallo pezzato nella scuderia (Collezione privata) e il Cavallo pomellato spaventato dal fulmine (Londra, National Gallery) . 

Il Cavallolo spagnolo, insieme a Cinque cavalli visti dalla groppa, è stato acquistato dallo Stato francese alla vendita Mosselman tenutasi a Parigi nel 1849.


VEDI ANCHE . . .

EUGENE DELACROIX E THEODORE GERICAULT - Vita e opere

LA ZATTERA DELLA MEDUSA (1818) - Théodore Géricault

UFFICIALE DEI CAVALLEGGERI DELLA GUARDIA IMPERIALE - Géricault

LA CORSA DEI BERBERI - Théodore Géricault

LA FORNACE DI GESSO - Théodore Géricaault

CAVALLO SPAGNOLO - Théodore Géricault

L'IMPERATRICE EUGENIA CON LE SUE DAME D'ONORE (The Empress Eugenie with her ladies in waiting) Franz Xavier Winterhalter

L'IMPERATRICE EUGENIA CON LE SUE DAME D'ONORE (1855)
Franz Xavier Winterhalter
Musée National du Chateau Compiegne - Francia
Tela cm 300 x 420
   
L'Imperatrice e le sue dame d'onore sono riunite su un prato, delimitato da alberi; sullo sfondo si intravede una città lontana ed un cielo nuvoloso. 
Seduta un po' più in alto rispetto alle sue compagne, l'imperatrice Eugenia, riconoscibile per la veste di seta, guarnita di tulle bianco cucito con nastri di seta colore lilla, tiene in mano un mazzolino di fiori di caprifoglio. 
Alla sua destra, vestita di taffettà, è ritratta la Principessa di Essling, subito a sinistra, vestita di nero, la Duchessa di Bassano, dama d'onore. Intorno a loro sono raffigurate le altre dame del palazzo: la Baronessa di Pierres e la viscontessa Lezay-Mamésia, in bianco, a sinistra, la Marchesa di Montebello, in verde, al centro, la Baronessa di Malaret, figlia della Contessa di Ségur, in seta gialla, la Marchesa di Las Marismas, in bianco, e la Marchesa di La Tour-Maubourg, in blu. 

La composizione è organizzata in due gruppi, uno di cinque e l'altro di tre personaggi, entrambi collegati con la figura verde al centro.
La ricchezza dei colori, I'ampiezza e la maestria della pennellata si impongono immediatamente allo spettatore. 

I gesti e le pose studiate, l'idealizzazione dei ritratti, il fascino di un paesaggio idilliaco e l'attenzione posta al minimo dettaglio dell'abbigliamento e degli accessori, contribuirono al successo della tela. 
Tuttavia I'opera è stata giudicata da alcuni critici, come Delécluze e Loudun, con ironia e rimproverando all'artista di essersi interessato maggiormente ai rubini e alle trine che non ai personaggi.


Questo dipinto ebbe un posto d'onore all'Esposizione Universale di Parigi del 1855, dove figurava con quattro ritratti destinati all'imperatore Napoleone III e all'imperatrice Eugenia.
Winterhalter ottenne per questo insieme una medaglia di prima classe. 
L'opera, considerata bene personale, fu restituita all'Imperatrice nel 1881 e venne collocata nell'ingresso principale della residenza imperiale a Farnborough Hill in Inghilterra. 
Nel 1927 la tela fu venduta. Oggi si trova esposta al Museo Nazionale du Chàteau di Compiègne in Picardia con I'originaria cornice dorata recante le iniziali allacciate dell'Imperatrice. 
La città di Compiègne possiede un'altra opera di Winterhalter, La Duchessa di Morny
Altri dipinti sono conservati a Chantilly (Il Duca d' Aumaleal Museo Condé), a Parigi al Museo d'Orsay (Madame Rimskij-Korsakov) e soprattutto a Versailles (La regina Vittoria..., La Duchessa di Kent..., La Principessa di Saxe-Cobourg..., Maria Cristina di Spagna).


Franz Xavier Winterhalter (Menzensèhwand 1805 - Francoforte 1873), pittore e litografo famoso per i suoi ritratti di corte, seguì i corsi all'Istituto d'Arte di Friburgo prima di completare la sua formazione a Monaco. 
Giunto a Parigi nel 1834, fu subito apprezzato alla corte di Luigi Filippo. 
Nel 1848 lasciò la Francia e si recò in Inghilterra, dove dipinse ritratti della regina Vittoria e del suo seguito. 
Ritornato in Francia nel 1853, eseguì numerose raffigurazioni della famiglia imperiale (l'imperatrice Eugenia e Napoleone III).

Durante la sua carriera ritrasse la maggior parte dei regnanti d'Europa e dei rappresentanti delle principali famiglie aristocratiche, colpiti favorevolmente dal suo talento. 
Lo stile accurato e un po' pedante delle opere giovanili si evolse presto verso una tecnica più libera; l'artista seppe dare alle sue tele un brio ed un fascino romantico che le rese immensamente popolari.


XVIII secolo - BAROCCO E ROCOCO' (Eighteenth Century - Baroque and Rococo)

LEZIONE DI MUSICA - Fragonard (Vedi scheda)

L'avvento dello stile rococò coincide con la morte di Luigi XIV e risponde a quel bisogno di libertà e leggerezza che caratterizza la Reggenza in Francia, questo movimento si estenderà a tutta l'Europa, come proseguimento del Barocco.

In questo periodo si assiste allo sviluppo degli studi di pittori nelle case dei benestanti, dove i conoscitori d'arte si incontrano per apprezzare insieme le nuove forme e la crescente frivolezza dei soggetti trattati da Antoine Watteau, François Boucher, Jean Honoré Fragonard.

Il XVIII secolo vede risplendere soprattutto'la scuola inglese con la sua pittura dallo stile raffinato e aristocratico, con i suoi ritratti e paesaggi che annunciano già il Romanticismo.

Il secolo si chiude al nascere del movimento neoclassico. L'infatuazione per la nuovissima scienza archeologica che riporta alla luce le antichità greche, latine ed egizie, rinnova l'ispirazione ed esalta un ritorno alla purezza e all'equilibrio dell'ideale classico. 
La ragione, la moderazione, la simmetria, l'ordine e la chiarezza dominano le proporzioni.

La scuola inglese del XVIII secolo trae lustro da grandi maestri del ritratto e del paesaggio i quali, sotto l'influenza della scuola olandese e dei suoi maestri del colore, superano il Barocco, a cui preferiscono una pittura ove si esprimono l'intimismo e l'emozione; il Romanticismo è vicino.



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