giovedì 29 maggio 2014

ALTAROLO - Trittico di Modena (Altarpiece - Modena Triptych) - El Greco




ALTAROLOTrittico di Modena - Firmato: CHEIR DOMENIKOU
Domenico Theotokopulos, detto El Greco (Candia, 1541 – Toledo, 1614) 
(all'interno, da sinistra: Adorazione dei pastori, 
Allegoria del Cavaliere cristiano e Battesimo di Cristo)
(all'esterno, da sinistra: Annunciazione, 
Veduta del Sinai e Adamo ed Eva dinanzi al Padreterno)
Modena, Galleria Estense
Tempera su tavola, 37 x 23,8 (i pannelli centrali) -  cm 24 x 18 (i pannelli laterali)


Il piccolo ma squisito altarolo devozionale, firmato dall'artista (CHEIR DOMENIKOU, "mano di Domenico”), è una delle creazioni più conosciute e significative della produzione giovanile di El Greco. L’opera arrivò alla Galleria Estense nel 1805 dalla raccolta d’arte del marchese Tommaso degli Obizzi custodita nel Castello del Catajo presso Padova. Ignote sono fino ad ora le sue vicende precedenti. Il trittico rimase sconosciuto fino al 1937, quando fu letteralmente riscoperto da Rodolfo Pallucchini nei depositi della Galleria Estense.

Il dipinto passato a Modena nel 1822 dalla collezione Obizzi, originariamente conservata nel castello del Catajo presso Battaglia T. (Padova), fu pubblicato per la prima volta da R. Pallucchini (1937), come un caposaldo, circa il 1567, della produzione giovanile, 'madonnera', del Greco: e la proposta venne unanimemente accolta, sino all'ingiustificabile rifiuto del Wethey (1962), il quale vorrebbe considerarla opera di un Domenico, non identificabile col Theotocopoulos e, semmai, riconoscibile nel madonnero, di maniera italiana assai incerta, che segnò un San Luca e la Vergine, conservato dal Museo Benaki di Atene. 
Di recente, il Longhi (1963) e lo stesso Pallucchini (1966) hanno convincentemente ribadito la paternità grechesca di quest'opera e di un gruppo d'altre stilisticamente vicinissime, e inseparabili dalla prova qui in esame. 
L'altarolo, che venne forse dipinto a Creta poco prima della partenza per Venezia, denuncia in modo clamoroso l'uso, al fine di realizzare un'impalcatura 'occidentale', di stampe, in gran parte puntualmente individuabili: il pannello dell'Adorazione deriva da una contaminazione di incisioni del monogrammista I. B. (che riproduce il dipinto tizianesco oggi alla Pitti), del Bonasone e del Parmigianino; quello dell'Annunciazione, dall'interpretazione di un noto testo grafico del Caraglio (pure ispirato a Tiziano); quello del Sinai (replicato in una tavoletta che fu nella Collezione Hatvany di Budapest, ora dispersa) da qualcuna delle numerose Vedute circolanti tra le comunità cristiane d'Oriente. 
Di recente, V. H. Miesel (La tabla central del Triptico de Modena, in Archivo espanol de arte, 1953) ha indicato in un passo delle epistole di San Paolo (Tim. 4, 7-8) la fonte iconologica dell'Allegoria, ampliando il richiamo del Meyer (Notes on the early Greco, in The Burlington Magazine, 1939) a una xilografia anonima del 1555 (significativamente riprodotta, con la citazione dei versetti di San Paolo, dall'Andreani in un'incisione del 1590, segnalata dalla Haris Frankfort al Wethey , 1962). 
Merita, infine, rammentare che la rappresentazione dell'Inferno, rappresentato come un pistrice che divora i dannati, appartiene alla tradizione bizantina, e appare, ad esempio, nei cicli dell'Athos.




* I RACCOGLITORI DI LEGNA (The Wood Gatherers - Cottage Children) - Thomas Gainsborough





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domenica 4 maggio 2014

GIORGIO DE CHIRICO - Pittura inquietante (Painting disturbing)


Giorgio de Chirico: una pittura inquietante

L'artista italiano che, per la vastità della sua opera e per la ricchezza delle ricerche, può essere paragonato a Picasso fu Giorgio de Chirico (1888-1978). Nato a Volos in Grecia da una famiglia italiana, il giovane venne subito a contatto con quel mondo classico che lo affascinerà per tutta la vita, poi dal 1905 soggiorno in varie città italiane e passò infine a Monaco di Baviera, per studiare pittura nella locale Accademia. 
Nel 1911 si trasferì a Parigi, allora la capitale artistica del mondo, dove frequentò la cerchia dei pittori d'avanguardia. Qui per Io più dipinse la serie famosa delle Piazze d'Italia, opere che possono essere definite metafisiche per il senso di mistero e di stupore che sanno creare. 
Sono immagini come si vedono nei sogni: piazze chiuse da architetture spoglie e severe, in cui delle statue bianchissime o qualche rara presenza umana non fanno che accrescere il senso di solitudine e di desolazione. 
Tornato in Italia allo scoppio della grande guerra, de Chirico continuò a dipingere opere che non copiano la realtà: per esempio, nei quadri di questo periodo, le figure umane vennero rese come dei manichini, forse con un'allusione ad una futura, temuta umanità disumana.
Nei decenni successivi il pittore lavorò instancabilmente, ora ripetendo un po' le formule degli inizi, ora cercando di recuperare forme più tradizionali.


Le muse inquietanti (1917-1918) - Giorgio de Chirico
Collezione privata, Milano
Olio su tela cm 97 x 67

Un'opera dipinta a Ferrara nel 1916: Le muse inquietanti. Su un palcoscenico (come dire che la vita è finzione, è una recita) sono posti degli esseri stranissimi, a metà tra la statua e il manichino, mentre sul fondo il castello estense si trovo al fianco i comignoli di una fabbrica.


L'incertezza del poeta (L'incertitude du poete)1913
Giorgio de Chirico
TheTate Gallery of Modern Art - Londra
Olio su tela106X94cm

Un esempio di come de Chirico accosta sulla telo oggetti e realtà tra loro inconciliabili per creare effetti sorprendenti: in questa Incertezza del poetadel 1913, su una specie di palcoscenico delimitato do un portico si trovano un torso femminile senza testa e un casco di banane; all'orizzonte corre una vaporiera e si intravvede la sagoma di un veliero. Si crea così un senso di inquietudine; che non si riesce ad interpretare.


* RAGAZZA NEL BIANCOSPINO FIORITO (Girl by a Flowering Hawthorn Bush) - Carl Larsson


sabato 3 maggio 2014

LE NUTRICI DAVANTI ALLA CORTE D'ASSISE (The nurses before the Court of Assizes) - Edvard Munch

Le nutrici davanti alla Corte d'Assise (1902) Edvard Munch - Oslo, Museo Munch
Dipinto a tempera

Edvard Munch era l'immagine dell'anarchico individualista: agiva e viveva al di là di tutte le correnti artistiche ufficiali e non. Era contrario al "bel quadro" destinato a rallegrare i salotti, e dipinse i quadri più drammatici e pregnanti che mai siano stati fatti.
Perché un'opera d'arte veda la luce occorre che l'artista abbia la forza e il coraggio di esprimervi le idee del suo tempo. Ogni nuova epoca vuole la nascita di un'arte nuova. 
Allora come oggi nel mercato dell'arte ufficiale non c'era che decadenza. Munch si sentiva più vicino a Michelangelo, a Rembrandt, a Goya, a Manet, Van Gogh, Gauguin, che avevano saputo dare all'uomo il giusto posto nella loro arte. 

Nel manifesto di Saint Cloud del 1929 scriveva:
"Non occorrerà più dipingere degli interni, della gente che legge e delle donne che lavorano a maglia, ma piuttosto degli esseri viventi che respirano e sentono, che soffrono e amano".

Già da bambino Munch si sentiva attratto dal disegno; infatti scrisse nei suoi appunti autobiografici: "Mi ricordo che all'età di 7 anni un giorno presi un pezzo di carboncino, mi distesi sul pavimento e mi misi a disegnare i ciechi. Le mie figure erano monumentali. Mi ricordo che provai piacere per quel lavoro e sentii che la mia mano obbediva meglio di quando disegnavo sul retro delle ricette di mio padre".

I dipinti e i disegni del 1891, quando aveva 18 anni, erano già al livello di un grande maestro accademico. La sua pittura si trasformò poi col passare del tempo, evolvendosi di anno in anno. 

Ma torniamo al quadro presentato in questa pagina: l'atmosfera è drammatica, il colore delle facce delle nutrici è allucinante, sembrano messaggere di morte. 
I giudici e i giurati sembrano usciti da un processo di Kafka, e nel quadro tutti sembrerebbero colpevoli.
La tempera è usata molto diluita sopra un disegno preliminare molto largo, corretto da una traccia color terra d'ombra naturale. 
Le imputate, il pubblico, i giudici sono tutti vestiti di nero, la parete di fondo sembra un cielo carico di tempesta, i pochi colori esasperati li troviamo sulle tremende facce delle imputate.

Per tutta la vita Munch fu perseguitato dall'angoscia della malattia e della morte. 
Morì a 81 anni, mentre non avrebbe scommesso di viverne la metà; malato nei nervi e nel corpo, rigoroso e testardo nella pittura, fu sempre ribelle a tutto e a tutti anche nella vecchiaia.


VEDI ANCHE . . .



* YVETTE GUILBERT SALUTA IL PUBBLICO - Henri Toulouse-Lautrec









venerdì 2 maggio 2014

SACRA FAMIGLIA CON SANT'ANNA (Holy Family with St. Anne) - El Greco

SACRA FAMIGLIA CON SANT'ANNA (1590-1595) El Greco
Toledo, Ospedale di San Giovanni Battista
Olio su tela cm 127 x 106 

Sulla cronologia del dipinto, donato all'ospedale da Teresa d'Aguilera, vedova di Alonso Capoche, e rammentato sin dal 1631, vi è gran divergenza tra gli studiosi, tra i quali il Cossio (1908) e il Soehner (1958-1959) rinviano alla fine del secolo. 
Dovrebbe trattarsi, comunque, in accordo con il Wethey (1962), di un'opera databile tra 1590 e 1595.



SS TRINITÀ (Holy Trinity) - El Greco

SS. TRINITÀ (1577) - El Greco
 Madrid, Museo del 
Prado

Olio su tela cm  300 x 178

El Greco, nome d'arte di Dominikos Theotokopoulos (Δομήνικος Θεοτοκόπουλος) — (Candia, 1541 – Toledo, 7 aprile 1614), è stato un pittore, scultore e architetto greco vissuto in Italia ed in Spagna. È tra le figure più importanti del Rinascimento spagnolo.

Questo dipinto spettava, in origine, al retablo dell'altar maggiore della chiesa di Santo Domingo el Antiguo di Toledo; smembrato all'avvio dell'Ottocento e, in parte, diviso tra el Prado e l'Art Institute di Chicago (l'Assunzione). 
Per la storia, documentata, tra 1577 e 1579, dell'intervento di Domenico, che agì dunque nel momento in cui sorse la chiesa (ma apparirà anche successivamente, dopo il 1608), fornendo i disegni per le cornici architettoniche del maggiore e dei due minori altari e per la relativa decorazione plastica, vedi la ricapitolazione di Camón Áznár (1950) e le precisazioni del Wethey (1962). 
Merita annotare come il tema della Trinità derivi dalla soluzione della nota stampa del Dürer, riproposta alla luce di una viva memoria delle invenzioni michelangiolesche di Pietà. 
Di recente, la du Gue Trapier (El Greco. Early years in Toledo, 1576-1586,1958) indica rapporti con la Deposizione del Correggio della Pinacoteca di Parma e con un disegno di Pietà di Palma il giovane, conservato al Louvre.



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