GIORGIO DE CHIRICO - Pittura inquietante (Painting disturbing)

Giorgio de Chirico: una pittura inquietante

L'artista italiano che, per la vastità della sua opera e per la ricchezza delle ricerche, può essere paragonato a Picasso fu Giorgio de Chirico (1888-1978). Nato a Volos in Grecia da una famiglia italiana, il giovane venne subito a contatto con quel mondo classico che lo affascinerà per tutta la vita, poi dal 1905 soggiorno in varie città italiane e passò infine a Monaco di Baviera, per studiare pittura nella locale Accademia. 

Nel 1911 si trasferì a Parigi, allora la capitale artistica del mondo, dove frequentò la cerchia dei pittori d'avanguardia. Qui per Io più dipinse la serie famosa delle Piazze d'Italia, opere che possono essere definite metafisiche per il senso di mistero e di stupore che sanno creare. 

Sono immagini come si vedono nei sogni: piazze chiuse da architetture spoglie e severe, in cui delle statue bianchissime o qualche rara presenza umana non fanno che accrescere il senso di solitudine e di desolazione. 

Tornato in Italia allo scoppio della grande guerra, de Chirico continuò a dipingere opere che non copiano la realtà: per esempio, nei quadri di questo periodo, le figure umane vennero rese come dei manichini, forse con un'allusione ad una futura, temuta umanità disumana.

Nei decenni successivi il pittore lavorò instancabilmente, ora ripetendo un po' le formule degli inizi, ora cercando di recuperare forme più tradizionali.

Le muse inquietanti (1917-1918) - Giorgio de Chirico
Collezione privata, Milano
Olio su tela cm 97 x 67

Un'opera dipinta a Ferrara nel 1916: Le muse inquietanti. Su un palcoscenico (come dire che la vita è finzione, è una recita) sono posti degli esseri stranissimi, a metà tra la statua e il manichino, mentre sul fondo il castello estense si trovo al fianco i comignoli di una fabbrica.

L'incertezza del poeta (L'incertitude du poete)1913
Giorgio de Chirico
TheTate Gallery of Modern Art - Londra
Olio su tela106X94cm

Un esempio di come de Chirico accosta sulla telo oggetti e realtà tra loro inconciliabili per creare effetti sorprendenti: in questa Incertezza del poeta, del 1913, su una specie di palcoscenico delimitato do un portico si trovano un torso femminile senza testa e un casco di banane; all'orizzonte corre una vaporiera e si intravvede la sagoma di un veliero. Si crea così un senso di inquietudine; che non si riesce ad interpretare.

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GIORGIO DE CHIRICO - Pittura metafisica (Metaphysical Painting)

  

Pittore e scrittore italiano, nato a Volos in Grecia nel 1888 dove il padre, ingegnere costruttore delle ferrovie, si trovava per lavoro.
Rimarrà segnato per tutta la vita dalla cultura classica e dall'atmosfera della Grecia.
I suoi studi, iniziati ad Atene, proseguono all'Accademia di Belle Arti di Monaco, dove De Chirico rimane influenzato dagli artisti e dagli scrittori romantici di fine secolo, che cercano di tradurre simbolicamente nelle loro opere il senso della morte e dell'aldilà (si formò sotto l'influenza di Arnold Böcklin).
Nel 1908 si trasferisce a Firenze.
Opere principali... "Ettore e Andromaca", "Penelope", "Le muse inquietanti", "II filosofo ed il poeta".
Due anni dopo è a Parigi, espose per la prima volta nel 1912 al Salone degli Indipendenti e i suoi lavori sono stati già notati da Pablo Picasso e da Apollinaire; di quest'ultimo eseguirà un ritratto in cui lo rappresenta, profeticamente, con la fronte ferita da una pallottola (come in effetti accadde in guerra dieci anni dopo).
La sua pittura è inizialmente caratterizzata dal tema dell'assenza.
I suoi paesaggi sono vuoti, le piazze deserte, immensi simulacri prospettici abitati da spettri.
In un periodo successivo la sua opera si popola di una umanità di manichini, di robot ciechi e sordi, di oggetti insoliti asserviti ad una incombente fatalità: la guerra.
Nel 1915 è a Ferrara, dove soffre di una grave depressione. Tra il 1915 e il 1925 creò il movimento della "pittura metafisica", con le sue piazze classicheggianti e gli animali, gli uomini, le cose, presentati nelle loro parti componenti come manichini fantastici. Continuando la propria ricerca, definisce la "pittura metafisica" che cerca di strappare alle cose, al loro silenzio, alla loro inerzia qualche segreto soprannaturale.
A partire dal 1930 egli vive fra Parigi e l'Italia; nel 1944 si stabilisce definitivamente a Roma, orientandosi verso un "ritorno al mestiere", avvicinandosi alla pittura secentesca. II vecchio pittore d'avanguardia ha infine assunto atteggiamenti totalmente negativi nei confronti dell'arte contemporanea.
Dopo aver riscoperto la pittura del Rinascimento italiano, vive un periodo neo-classico, durante il quale dipinge fiori, nature morte, cavalli al galoppo e autoritratti di eccellente fattura.
Muore a Roma nel 1978.

Le immagini del silenzio di Giorgio De Chirico

Scrivere, oggi, di Giorgio De Chirico e della sua opera senza lasciarsi fuorviare dagli aspetti più vistosi del mito nato intorno alla sua figura, non è facile. E' difficile, infatti, liberarsi dai clichés stereotipati che, in tanti anni di attivissima presenza, di successi e di polemiche, si sono accumulati intorno al 'personaggio' De Chirico. Come non è facile, pure, disfarsi dei pregiudizi e rompere quella sorta di cristallizzazione critica che si è venuta formando nei riguardi della sua pittura, particolarmente di quella metafisica. Non è facile, cioè, dimenticare per un momento il senso 'storico', la funzione e il peso rilevante che la metafisica ebbe ad assumere durante i primi tre decenni del secolo, e considerare tale pittura per quello che essa è divenuta oggi, per il posto che essa occupa nella cultura dei nostri giorni. E' fuori di dubbio che, a quell'epoca, più di una tendenza fu influenzata dalla personalità singolare dell'artista italiano, prime fra tutte le nascenti indagini surrealiste, che trovavano in questi quadri silenziosi e sconcertanti, congelati in un'intima e inquieta minaccia di terribili accadimenti latenti, un terreno di stimolo poetico, una finestra aperta sul mondo agitato e misterioso dell'inconscio. Max Ernst, Yves Tanguy e René Magritte, nei loro scritti, ricordano in modo esplicito l'incontro con la pittura di De Chirico, che fu per loro addirittura come una rivelazione, un'illuminazione improvvisa capace di aprire prospettive nuove e determinanti per il loro lavoro.
In Germania, le vicende del realismo magico e, soprattutto, della nuova oggettività di Christian Schad e Rudolf Schlichter, testimoniano dell'interesse che si nutriva per il senso di arcana sospensione, di intensità enigmatica della pittura metafisica, elementi questi che ritroviamo ben compresi e radicati nel realismo allucinato della "Neue Sachlichkeit".

   

Mistero e malinconia di una strada (1914)
Giorgio de Chirico - Olio su tela cm 87 x 71,5 - Collezione privata

    

Nel 1914 De Chirico dipinge "Mistero e malinconia di una strada", nel '15 alcune delle sue più belle "Piazze d'Italia ", nel '16 e nel '17 "Il grande metafisico" e "Le muse inquietanti". E' il momento più intenso e alto dell'esperienza metafisica, quando ciò che poteva essere stato fino ad allora una sorta di complessa reazione al futurismo, una ricerca di 'staticità' da contrapporre ad un 'dinamismo' troppo spesso scomposto e ingiustificato, trovava invece le proprie profonde ragioni culturali nella sintesi del pessimismo esistenziale contrapposto all'ottimismo neo-positivista, in una poetica di amara ironia per il non-senso della vita. La guerra favorì questo processo di interiorizzazione, rafforzandone l'aggancio emotivo e il fascino intellettuale. Artisti come Carrà e Sironi, ma anche Morandi, Casorati, De Pisis e altri, si accostarono proprio in quegli anni all'esperienza metafisica, ritrovandovi quella dimensione di libertà e di serena introspezione che la brutalità e la drammaticità degli avvenimenti in corso negava loro.

  

Il grande metafisico (1917) Giorgio de Chirico
The Museum of Modern Art, New York
Olio su tela cm  104,5 x 69,8  

   

Nelle tele di quel periodo si incontrano elementi ricorrenti che costituiranno, poi, "l'imagerie" divenuta ormai classica di De Chirico. I manichini senza volto, le statue muliebri fissate in un gesto di stanchezza assorta e pensosa, i portici avvolgenti profondità misteriose e, poi, il tessuto irreale che regge i fondali della rappresentazione metafisica: "il silenzio". Un silenzio che diviene quasi fisico, tangibile, denso di vibrazioni e di impercettibili echi palpitanti come se un grido, che da un momento all'altro potrebbe ripetersi, l'avesse appena squarciato. O ancora, negli 'interni', influenze cubiste più marcate affollano lo sfondo di squadre, di righe e compassi, e il legno dei manichini e dei cavalletti diviene materia privilegiata capace di insondabili metamorfosi, di sconcertanti allusioni.
Ma tali improbabili oggetti, accessori scenici indispensabili alla silenziosa teatralità del quadro, sono anche simboli muti, lettere di un alfabeto iconografico di cui pare ad ogni momento d'aver trovata la chiave, e che sempre rimanda, invece, al proprio mistero, al proprio esoterico potere emozionale, alle proprie profonde radici ìnconsce.
"De Chirico ha zittito i simboli ", ... - ha scritto Wieland Schmied - ... in lui possiamo vedere o questo o quello, leggere ciascuno i propri conflitti e le problematiche del nostro tempo. Può essere che la simbologia di De Chirico lo consenta, ma essa non è lì per questo. Quei simboli tacciono".

  

Le muse inquietanti (1917-18) - Giorgio de Chirico
Collezione privata a Milano
Olio su tela cm 97 x 66 

   

Riguardando le opere di quel periodo e, per estensione, anche le più recenti nelle quali, spesso, sono ripresi temi già a lungo 'replicati', vien fatto di domandarsi, però, se un tale 'silenzio' del pittore non sia funzionale ad un modo singolare di accostare se stesso e di comprendersi, di scoprire la propria complessa umanità, le sorgenti della propria inquieta ispirazione. Non si può infatti negare validità e interesse all'interpretazione freudiana, intesa ad assumere l'opera come traslato onirico-poetico dell'inconscio, che è stata variamente tentata in questi anni da parecchi studiosi. Un'interpretazione, cioè, che ravvisa l'incombere della immagine materna, traumatizzante e oppressiva, sulla personalità dell'artista, e che vede nelle figure femminili pietrificate, nelle fontane e nei pozzi d'acqua stagnante, nelle architetture sfuggenti e nei porticati, í simboli dì un matriarcato soffocante a cui si contrappongono, come evidenti immagini di una rivalsa virile, le bocche dei cannoni, le statue equestri, i fumaioli e le torri. Mi pare chiaro, però, che i conflitti edipici e i complessi di colpa derivanti, non sono assolutamente sufficienti, da soli, a giustificare l'intensità psicologica dell'opera di De Chirico.
Max Ernst, a proposito dell'objet surréaliste, scriveva che accoppiando due realtà in apparenza non accoppiabili su di un piano che non s'addice loro, si ottiene un senso indefinibile, 'autre', un assoluto poetico. Il procedimento usato da De Chirico consiste in qualcosa di estremamente più inquietante e capace di suggestioni forse più vaste, in quanto utilizza 'realtà' già meditate e mediate da un filtro che risponde chiaramente d'una serie complessa di motivi culturali. Sono motivi che vanno dalla mitologia greca all'opera del Masaccio , di Giotto di Bondone, di Paolo Uccello, di Piero della Francesca e di Andrea Mantegna; dalle posizioni di Schopenhauer e di Nietzsche sul rifiuto dell'ottimismo neo-positivistico, all'ammirazione per le opere di Arnold Böcklin, di Max Klinger, di Stuck, ed altre ancora.
E' già presente dunque, nella pittura metafisica, il nucleo dell'idea surrealista, da cui infatti De Chirico parte, precorrendo le indagini d'oltralpe, per esplorare il possibile nell'impossibile e il reale nell'immaginario, in una visione totalmente compromessa e pure distaccata e ironica, fredda.

Scrive De Chirico... " Il sogno è un fenomeno stranissimo ed un mistero inspiegabile ma ancora più inspiegabile è il mistero e l'aspetto che la mente nostra conferisce a certi oggetti, a certi aspetti della vita... Guardiamo il soffitto e le pareti della camera e gli oggetti che ci circondano e gli uomini che passano giù nella via, e vediamo che non sono più quelli della logica di ieri, di oggi, di domani. Non riceviamo più impressioni, ma scopriamo continuamente nuovi aspetti e nuove spettralità... Noi metafisici abbiamo santificato la realtà".

Egli va dunque oltre il visibile. in un viaggio che lo porta per mezzo dell'immaginazione a scoprire sensi nuovi e imprevisti nel quotidiano, nel banale, nell'ovvio.
Certo, come scrivevo più sopra, è difficile oggi misurare la portata e il valore reali di tale indagine e delle sue successive evoluzioni. Viviamo giorni di frattura, in cui l'uomo viene aggredito e alienato nella propria integrità dagli efficienti ingranaggi di una realtà che si dimostra ostile ai suoi bisogni più elementari, alle sue più intime potenzialità. Viviamo giorni di lotta per i quali la realtà, così com'è oggi, non può e non deve venire 'santificata' bensì contestata e modificata nei suoi termini più radicali. Ciò rimanda al dualismo immaginazione-rivoluzione di cui si occupava Breton. Se la pittura di De Chirico ci appare come una pittura del silenzio - ed è un silenzio certamente non tanto d'ordine formale, sul piano cioè di un dipingere allucinato ed ermetico, quanto relativo alla comunicazione concettuale dell'opera - dipende forse dal fatto che egli ha assolto al primo soltanto dei due termini dell'equazione bretoniana? O invece può essere che nell'urto e nella frizione quotidiana tra realtà e rivoluzione, tra le cose e l'uomo, così come queste frizioni si manifestano oggi, si perdono e si rarefanno per noi i propositi metafisici?
Non è, ad ogni modo, una questione di attualità: i problemi sollevati dalla pittura di De Chirico sono problemi eterni, relativi alla condizione umana colta nelle sue forme più elevate di espressione poetica. Ciò che invece può dare adito a qualche perplessità, è piuttosto una considerazione che coinvolge la qualità di tali problemi, in un tempo in cui si pone drammaticamente l'urgenza, a livello individuale e collettivo, di scelte precise e chiare quanto al rapporto tra libertà interiore e libertà oggettiva, tra libertà poetica e libertà civile.

Nessun pittore del fantastico, soltanto ad eccezione, forse, del doganiere Henri Rousseau, ha raggiunto mai tanta intensità di sogno, un simile grado di inquietudine. Giorgio De Chirico ama l'enigma, il tragico, il mistero: ha interpretato tutto il proprio vivere come un arcano; e per i contemporanei, amici e nemici, nella sua lunga vita mutevole rimane un enigma lui stesso.



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COMBATTIMENTO - Giorgio De Chirico

NATURA MORTA CON UVA E PEPERONI (Still Life with Grapes and peppers) - Giorgio De Chirico

NATURA MORTA CON UVA E PEPERONI (1923 - 1924)

Giorgio De Chirico (1888 - 1978)

Galleria d'Arte Moderna di Firenze

Tela cm. 60 x 79

Quest'opera appartiene al cosiddetto "periodo romantico", vissuto dall'artista tra Firenze, da lui considerata città metafisica per eccellenza, e Roma, dal 1922 al 1924; un nuovo periodo di ricerca che si apre dopo la collaborazione alla rivista VALORI PLASTICI.
Giorgio De Chirico si riavvicina a Böcklin per la tecnica (l'artista svizzero era infatti esperto di pittura a tempera) e per l'iconografia di "città", "personaggi antichi" e "nature morte", dove lo stile tradisce anche un'influenza dell'arte di Courbet.
In uno scritto del 1942 De Chirico chiarisce le sue idee sulla natura morta...

"La natura morta ha nella lingua tedesca e inglese un altro nome, molto più bello e molto più giusto.
Questo nome è... STILL LEBEN ... e STILL LIFE, "vita silenziosa".

E' infatti un quadro che rappresenta la vita silenziosa degli oggetti e delle cose, una vita calma, senza rumori e senza movimenti, un'esistenza che si esprime per mezzo del volume, della forma, della plasticità.
In realtà gli oggetti, la frutta, le foglie sono immobili, ma potrebbero essere mossi dalla mano umana o dal vento.
Le nature morte rappresentano le cose che non sono vive, nel senso degli uomini, degli animali e delle piante: queste cose stanno sulla terra, questa terra che respira intensamente la vita, piena di rumori e di movimento[...].
Una natura morta contiene tutta una geografia, tutto un mondo ridotto come nei dizionari".

NATURA MORTA CON UVA E PEPERONI è stato acquistato dalla Galleria d'Arte Moderna di Firenze, durante la personale dell'artista tenutasi in quella città nel 1932 a Palazzo Ferroni.


Giorgio De Chirico è un pittore e scrittore italiano, nato a Volos in Grecia nel 1888 dove il padre, ingegnere costruttore delle ferrovie, si trovava per lavoro.
Rimarrà segnato per tutta la vita dalla cultura classica e dall'atmosfera della Grecia.
I suoi studi, iniziati ad Atene, proseguono all'Accademia di Belle Arti di Monaco, dove De Chirico rimane influenzato dagli artisti e dagli scrittori romantici di fine secolo, che cercano di tradurre simbolicamente nelle loro opere il senso della morte e dell'aldilà.
Nel 1908 si trasferisce a Firenze.
Due anni dopo è a Parigi, al Salone degli Indipendenti i suoi lavori sono stati già notati da Picasso e da Apollinaire; di quest'ultimo eseguirà un ritratto in cui lo rappresenta, profeticamente, con la fronte ferita da una pallottola (come in effetti accadde in guerra dieci anni dopo).
La sua pittura è inizialmente caratterizzata dal tema dell'assenza.
I suoi paesaggi sono vuoti, le piazze deserte, immensi simulacri prospettici abitati da spettri.
In un periodo successivo la sua opera si popola di una umanità di manichini, di robot ciechi e sordi, di oggetti insoliti asserviti ad una incombente fatalità: la guerra.
Nel 1915 è a Ferrara, dove soffre di una grave depressione.
Continuando la propria ricerca, definisce la "pittura metafisica" che cerca di strappare alle cose, al loro silenzio, alla loro inerzia qualche segreto soprannaturale.
A partire dal 1930 egli vive fra Parigi e l'Italia; nel 1944 si stabilisce definitivamente a Roma.
Dopo aver riscoperto la pittura del Rinascimento italiano, vive un periodo neo-classico, durante il quale dipinge fiori, nature morte, cavalli al galoppo e autoritratti di eccellente fattura.

Muore a Roma nel 1978.

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COMBATTIMENTO - Giorgio De Chirico

COMBATTIMENTO (Fighting gladiators) - Giorgio De Chirico

COMBATTIMENTO (1929)
Giorgio De Chirico

Civica Galleria d’Arte Moderna – Milano

Tela cm. 160 x 240

“Gladiatori! Questa parola contiene un enigma”.

Risoluzione 2.544 x 1.664 - Kb 980

Così esclama il protagonista di “Hebdomeros”, romanzo pubblicato da De Chirico nel 1929, dove sono affrontati per iscritto molti altri motivi svolti contemporaneamente in pittura. Un enigma quindi, il tema, cui furono tra l’altro dedicate una cinquantina di tele, come enigmatica è l’usuale ambientazione claustrofobia: il soffitto ribassato le pareti interrotte da finestre aperte sull’ignoto e il pavimento simile a un palcoscenico, con le assi in leggera discesa ma in inesatta prospettiva, che rende legittimo l’interrogarsi sulla realtà o la finzione di quanto vi accade.

Risulta comunque certo il modo in cui le anatomie michelangiolesche aderiscono deformandosi a magrezze di insetto, o come gli sguardi scaleni divagano ipnotizzati fuori della tela, e come ancora le posizioni incongrue, quando non volutamente comiche, si sovrappongono a costruire una piramide di movimenti cristallizzati, resi perfino più astratti della violenza inutile dei pugnali levati, confusi tra le lance disegnate e scudi di latta.

Su tutto poi un senso di noia statica, di malinconico deja vu di ironico storicismo, ravvisabile anche negli altri dipinti della stessa serie. Questi realizzati nel 1929 per Leonce Rosenberg, nel complesso non dovettero sembrare dissonanti con l’arredamento impero, e talvolta secondo impero, della sala loro dedicata nell’appartamento parigino del mercante Leonce Rosenberg, a un’epoca di tale effimero rigore, di grandiosità retorica e di trionfalismi d’apparato.

Come gli altri di analogo soggetto, questo COMBATTIMENTO DI GLADIATORI era stato pensato per la Maison Dorée del mercante Leonce Rosenberg, a decorare la quale furono chiamati anche Fernand Leger, Jean Matzinger, Francis Picabia, Alberto Savino, Gino Severini e Max Ernst. Sistemato in un deposito insieme agli altri dipinti sopravvissuti ad una vendita all’asta del 1932, è entrato nella Civica Galleria d’Arte Moderna di Milano dopo avere fatto parte della Collezione Boschi.

DE CHIRICO E ANDRÉ BRETON

Mitizzato in un primo tempo da André Breton e da altri surrealisti conquistati dalla prima produzione metafisica, De Chirico fu ripudiato quando rese inequivocabile la sua virata verso il cosiddetto “polistilismo”, o periodo della “rivisitazione del museo” cui gli stessi GLADIATORI appartengono. Condannata la nuova fase stilistica pare che Breton avesse fatto incetta di tutti i quadri metafisici di De Chirico reperibili sul mercato, accusandolo di spudorato cinismo teso solo alla prospettiva di facili guadagni. Breton giustificò dichiarando…

“Malgrado lui stesso… noi custodiremo intatta l’insolita speranza che ci hanno regalato le sue prime tele. Le interrogheremo fintanto che saremo in vita, senza che l’imbarazzante persona del loro autore arrivi a distogliercene”.

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